Guida a Tastiere e Pianoforte: Dagli 88 Tasti al Mondo dei Sintetizzatori

Ciao ragazzi! Oggi esploriamo gli strumenti reali e i re assoluti dell'armonia, della composizione e della produzione musicale: il pianoforte e le tastiere. Che si tratti di un maestoso pianoforte a coda acustico, di un piano elettrico vintage stile anni '70 o di un sintetizzatore spaziale pieno di manopole, i tasti bianchi e neri sono la mappa perfetta della teoria musicale. Per noi cantanti, il pianoforte è spesso il primo compagno di studio, lo strumento con cui scaldiamo la voce e scriviamo i nostri pezzi. Vediamo come funzionano e come farli convivere al meglio con il nostro canto!

1. Un salto nel tempo: dall'invenzione di Cristofori alla rivoluzione dei Chip

Il pianoforte ha una firma italiana gloriosa: è stato inventato a Firenze intorno al 1700 da Bartolomeo Cristofori. Prima di allora esisteva il clavicembalo, le cui corde venivano pizzicate da un plettro meccanico: il problema era che faceva sempre lo stesso volume, non si poteva fare una nota più forte o più piano. Cristofori inventò un sistema di piccoli martelletti che colpivano le corde: più premevi forte il tasto, più il martelletto picchiava duro, permettendo di suonare con dinamica. Lo strumento fu chiamato infatti "Gravicembalo col piano e forte", diventato poi semplicemente "pianoforte".

Nel Novecento la tecnologia esplode: negli anni '60 e '70 ingegneri come Robert Moog inventano i primi sintetizzatori analogici, macchine capaci di generare suoni sintetici totalmente nuovi manipolando l'elettricità. Negli anni '80 arriva la rivoluzione digitale con tastiere leggendari come lo Yamaha DX7, che hanno definito il suono di tutto il pop mondiale.

2. Il mondo dei Tasti: Acustici, Elettrici e Digitali

Sotto le dita di un tastierista moderno possono esserci strumenti radicalmente diversi:

●Il Pianoforte Acustico, a Coda o Verticale: Uno strumento interamente meccanico. Tasti, martelletti, corde in acciaio e una cassa armonica gigante in legno. Ha un suono immenso, dinamico e ricco di risonanze naturali.

●I Piani Elettrici Vintage, Rhodes, Wurlitzer, Clavinet: Strumenti storici degli anni '70. Usano martelletti che colpiscono barrette di metallo, il cui suono viene catturato da pickup elettrici, proprio come una chitarra. Hanno un suono caldo, sognante e super funky.

●I Sintetizzatori, Synth: Non imitano strumenti reali, ma creano onde sonore sintetiche tramite oscillatori. Possono fare tappeti di archi spaziali, bassi potentissimi o suoni fantascientifici.

●Le Master Keyboard e i Virtual Instruments, VST: Tastiere che non producono alcun suono da sole, ma inviano dati numerici a un computer tramite il protocollo MIDI. Il computer poi trasforma quei dati nei suoni di qualsiasi strumento del mondo!

 

 

3. Come gestirli nel mixer: il protocollo bilanciato e le DI Box

Mentre registrare un pianoforte a coda in studio richiede coppie di costosi microfoni a condensatore posizionati dentro la cassa, sul palco live le tastiere digitali e i synth inviano un segnale elettronico diretto:

Strumento	Metodo di collegamento	Cosa deve sapere il cantante?
Pianoforte Acustico, Live	Microfoni a condensatore interni o pickup a contatto sulla tavola armonica.	Molto sensibile ai rientri e ai fischi se il palco è troppo rumoroso. Richiede silenzio sul palco.
Tastiere e Synth, Live	Cavi jack che entrano in una **D.I. Box** stereofonica collegata al mixer.	Segnale pulitissimo, zero rumore acustico sul palco. Il tastierista può cambiare suoni all'infinito senza problemi.

4. Aneddoti e Leggende dei Tasti Bianchi e Neri

La storia del pop ha i suoi eroi del piano, come Elton John o Billy Joel, soprannominato proprio "Piano Man". Elton John è famoso per le sue performance spettacolari in cui suonava il pianoforte saltandoci sopra, prendendolo a calci o suonando i tasti con i piedi! Nel mondo dell'elettronica, il re indiscusso è Stevie Wonder, che negli anni '70 usò un sintetizzatore gigante chiamato TONTO, il più grande sintetizzatore analogico del mondo, per creare quei suoni di basso sintetico pazzeschi e rivoluzionari che sentiamo in pezzi come Superstition.

5. I Consigli del Fonico: Attenti alla "Guerra dei Bassi"

Il pianoforte ha un'estensione pazzesca: copre quasi tutte le note udibili dall'orecchio umano. Se il vostro tastierista ha il "vizio" di fare parti di basso molto pesanti con la mano sinistra, rischia di fare la guerra alle frequenze del bassista e di impastare la zona medio-bassa della vostra voce calda. I bravi fonici chiedono ai tastieristi di alleggerire la mano sinistra durante i live pop, o applicano filtri sul mixer per lasciare la zona delle frequenze basse libera e pulita per la sezione ritmica e la voce.

6. I Signori del Suono Continui: L'Organo Hammond e il Ruggito del Moog

Ragazzi, nel mondo delle tastiere ci sono due strumenti che non si limitano a imitare o sostituire il pianoforte, ma che hanno letteralmente inventato dei generi musicali grazie al loro modo unico di emettere il suono. Mentre sul pianoforte la nota decade e scompare dopo che avete premuto il tasto, questi due mostri sacri possono far suonare una nota all'infinito, finché non staccate il dito. Vediamo chi sono!  

1. L'Organo Hammond: Il sound che profuma di Chiesa e di Rock

Inventato negli anni '30 da Laurens Hammond, che ironicamente costruiva orologi, l'Organo Hammond era nato come alternativa economica per le chiese che non potevano permettersi i giganteschi organi a canne. Ma quando i musicisti Blues, Jazz e Rock ci hanno messo le mani sopra, è successo il finimondo.

Come funziona: All'interno ha dei dischi metallici rotanti, le ruote foniche, che girano davanti a dei magneti creando il suono in modo elettromeccanico. Sul pannello ha dei tiranti, i drawbars, che permettono di aggiungere o togliere armoniche come se steste mescolando dei colori.

Il "fratello" inseparabile, Il Leslie: L'Hammond non suona da solo, ha bisogno del Leslie, una cassa acustica speciale che ha al suo interno dei diffusori che ruotano fisicamente su se stessi. Questo movimento crea un effetto "vibrato" e tridimensionale pazzesco, che sembra far respirare il suono.

Il consiglio per il cantante: L'Hammond ha un suono enorme, caldo e graffiante che riempie tantissimo le frequenze medie. Quando il tastierista "apre" tutti i tiranti e inserisce la distorsione, il tipico suono alla Deep Purple, crea un muro sonoro pazzesco. Imparate a non combatterlo sul volume, ma a incastrare le vostre linee vocali nei momenti di respiro dello strumento.

2. Il Moog: Il sintetizzatore che ha cambiato la storia

Se l'Hammond è il re dell'elettromeccanica, il Moog è l'imperatore dell'elettronica analogica. Creato da Robert Moog alla fine degli anni '60, è stato il primo sintetizzatore portatile, il leggendario Minimoog, a entrare stabilmente nei tour delle rock band e poi nella musica Pop, Funky e Disco.

Come funziona: È una macchina analogica al 100%. Genera onde sonore pure, quadre, a dente di sega, attraverso l'elettricità e vi permette di modellarle tagliando le frequenze con un filtro, il famoso Moog Filter, che dà un suono caldissimo, acido e fottutamente potente.

Perché è importante per voi: Il Minimoog è famoso per i suoi assoli fulminanti, che sembrano chitarre elettriche spaziali, ma soprattutto per i suoi bassi sintetici. Generi come la Synth-Pop degli anni '80, la Dance, l'Hip-Hop e il Funky moderno, pensa a Bruno Mars, si appoggiano interamente sui bassi cicciotti e gommosi generati da un Moog.

Aneddoto da Star: Rick Wakeman e i Moog nascosti

Negli anni '70, Rick Wakeman, il leggendario tastierista della band progressive-rock Yes, era così ossessionato dal Minimoog da usarne diversi contemporaneamente sul palco, anche perché all'epoca i sintetizzatori analogici erano instabili e si scordavano facilmente con il calore delle luci! Wakeman si esibiva circondato da un vero e proprio "castello" di tastiere, indossando un mantello glitterato. Ha dimostrato al mondo che il tastierista non doveva per forza stare nascosto nell'ombra, ma poteva essere una rockstar acrobatica e carismatica tanto quanto il cantante!

 

7. Il consiglio del Prof per i cantanti

Ragazzi, il pianoforte è il vostro specchio armonico ideale. Quando cantate accompagnati solo dal piano, voce e piano, avete una libertà espressiva totale: potete rallentare, accelerare, sussurrare o spingere perché non ci sono la batteria o il basso a costringervi dentro una griglia rigida. Imparate a respirare insieme alle frasi del pianista: quando finisce un ricamo di note, inserite la vostra linea vocale con precisione. Siete un duo, non due solisti estranei!

 

Guida agli Strumenti Musicali Tribali, Etnici e Orientali per Musicisti Moderni!

Introduzione: Il Passaporto Sonoro del Tastierista

Ragazzi, finora abbiamo esplorato tasti bianchi e neri, martelletti, valvole ed elettricità occidentale. Ma le tastiere moderne e i sintetizzatori nascondono un vero e proprio superpotere: grazie ai campionatori, sampler, e ai motori di sintesi digitale, oggi sotto le nostre dita abbiamo un passaporto per viaggiare nel tempo e nello spazio. Premendo un semplice tasto di plastica possiamo evocare il suono di un tamburo rituale africano di mille anni fa, una cetra dei templi della Cina imperiale o un flauto cerimoniale dei nativi americani.

Esplorare questi mondi non serve solo a fare "colore", ma a rivoluzionare il vostro modo di comporre e arrangiare, portando freschezza in generi modernissimi come la Trap, il Pop, la Lo-Fi e l'Elettronica.

 

1. Il Ritmo Primordiale: Percussioni Africane e Tribali

La musica moderna occidentale, dal Rock al Pop, fino alla Dance, deve praticamente tutto alle radici ritmiche del continente africano. Nelle vostre tastiere troverete interi banchi di suoni, spesso sotto le voci World Percussion o Ethnic Drums, dedicati a questi strumenti dal suono caldissimo e legnoso.

●Djembe e Congas: Tamburi a calice o a botte tradizionalmente suonati con le mani. Hanno uno spettro sonoro enorme: un colpo al centro produce un basso profondo che fa vibrare lo stomaco, mentre un colpo sul bordo genera uno "slap" acuto e tagliente.

●Darbuka o Doumbek: Tipico del Medio Oriente, è un tamburo a forma di calice dal suono metallico e rapidissimo, perfetto per ritmi incalzanti e ipnotici.

●La Kalimba, o Piano da pollice: Questo è uno strumento magico! Fatto di lamelle di metallo montate su una scatola di legno, si suona pizzicando le punte con i pollici. Ha un timbro metallico, dolce, infantile e incredibilmente ipnotico. Oggi è uno dei suoni più campionati in assoluto: lo trovate ovunque nelle basi di musica Trap, nei pezzi Pop più sognanti e nelle playlist di musica Lo-Fi per studiare.

   

Il consiglio del tastierista: Quando suonate questi campionamenti sulla tastiera, ricordatevi che NON state suonando un pianoforte! Per renderli credibili, dovete imitare i movimenti fisici delle mani di un percussionista. Usate tocchi rapidi, dinamiche molto variegate e incastri sincopati.

 

2. Il Fascino d'Oriente: Sitar e Koto

Spostandoci in Asia, la musica cambia filosofia. Se il pianoforte occidentale cerca la perfezione acustica e note "pulite", gli strumenti orientali giocano tantissimo con le sfumature, i microtoni, le note che stanno in mezzo ai tasti bianchi e neri, e le vibrazioni "imperfette".

●Il Sitar indiano: Strumento a corde dal manico lunghissimo. La sua magia deriva dalle "corde simpatiche" che vibrano da sole per risonanza quando si suonano le corde principali. Ha un timbro ronzante, acido e profondo, reso celebre in Occidente dalla psichedelia degli anni '60.

●Il Koto giapponese: Una grande cetra di legno con corde tese su ponticelli mobili, pizzicata con dei plettri sulle dita. Ha un suono cristallino, aristocratico, nostalgico e misterioso, perfetto per creare atmosfere cinematografiche o ambient.

Il trucco del Pitch Bend: Gli strumenti come il Sitar non passano mai da una nota all'altra in modo netto; i musicisti tendono la corda con le dita creando delle sfumature continue, glissando. Per imitarli sulla tastiera, dovete usare la rotella del Pitch Bend, a sinistra dei tasti, mentre suonate, muovendola dolcemente per far "scivolare" la nota.

 

3. Il Respiro della Terra: Strumenti a Fiato Etnici

Anche i fiati etnici offrono trame incredibili per i vostri arrangiamenti, specialmente per introduzioni o momenti di grande atmosfera.

●Didgeridoo: Uno strumento a fiato ancestrale australiano, ricavato da rami di eucalipto scavati dalle termiti. Produce un drone, una nota fissa, bassissimo, gutturale e ritmico, che sembra arrivare dal centro della terra.

●Flauto dei Nativi Americani: Un flauto di legno dal suono incredibilmente caldo, “soffioso” e spirituale. Spesso i campionatori moderni includono il rumore del "soffio d'aria" iniziale, che rende il suono suonato sui tasti spaventosamente realistico.

 

4. Come Far Convivere Questi Suoni con la Voce

Per voi cantanti e arrangiatori, gli strumenti etnici sono un'arma a doppio taglio. Hanno un carattere fortissimo, il che significa che rischiano di rubare la scena alla voce o di "impastare" il mix.

Famiglia Strumento	Caratteristica Frequenza	Come Gestirlo nel Mix / Arrangiamento
Percussioni, Djembe/Congas	Basse calde e medie percussive	Attenzione alle frequenze basse: se avete già un basso o una cassa acustica forte, tagliate le frequenze inferiori del Djembe per non creare un "fango" sonoro.
Corde Orientali, Sitar/Koto	Medio-alte graffianti e ronzanti	Il ronzio del Sitar si scontra direttamente con le frequenze della voce umana. Usatelo nelle intro, nei fill o nei momenti in cui il cantante non sta cantando.
Fiati Etnici / Kalimba	Alte frequenze cristalline o soffiate	Perfetti per creare contrasto. Essendo suoni molto aerei e dinamici, lasciano molto spazio libero al centro dello spettro per la linea vocale principale.

 

5. Aneddoti Storici: Quando il Pop ha Incontrato il Mondo

Il Viaggio in India dei Beatles

Nel 1965, durante le riprese del film Help!, George Harrison rimase affascinato dai musicisti indiani sul set. Comprò un sitar economico in un negozietto a Londra e lo usò per registrare la celebre traccia "Norwegian Wood". Fu la prima volta che uno strumento classico indiano comparve in un pezzo pop/rock occidentale. Harrison si trasferì poi in India per studiare lo strumento sotto la guida del leggendario maestro Ravi Shankar, cambiando per sempre l'approccio compositivo dei Beatles e aprendo le porte alla psichedelia.

Peter Gabriel e la Nascita della "World Music"

Negli anni '80, l'ex cantante dei Genesis, Peter Gabriel, rimase folgorato dalla bellezza delle musiche tradizionali africane e asiatiche. Invece di limitarsi a campionarle di nascosto, decise di usare la sua popolarità per dare una piattaforma a questi artisti. Fu tra i primi a usare il pionieristico campionatore digitale Fairlight CMI per fondere suoni tribali a pattern elettronici moderni. Non solo: fondò il festival WOMAD e l'etichetta discografica Real World Records, coniando di fatto il termine "World Music" e dimostrando che la tecnologia digitale moderna poteva diventare il ponte perfetto per riscoprire le radici più antiche della razza umana.

 

Guida ai Fonici e Ingegneri del Suono: I Tuoi Alleati per un Sound da Paura

Ciao ragazzi! I microfoni sono i vostri traduttori di emozioni, gli in-ear monitor, le vostre finestre sul palco, ma c'è una figura fondamentale che tiene insieme tutto questo, un professionista che ha letteralmente nelle sue mani il potere di farvi suonare come delle divinità o come se steste cantando dentro una lattina vuota: il fonico o ingegnere del suono.

Molti cantanti alle prime armi vedono il fonico come un "tecnico burbero" nascosto dietro una navicella spaziale piena di luci e cursori in fondo alla sala. Errore gravissimo! Il fonico è a tutti gli effetti un membro aggiunto della band, il vostro migliore alleato e il primo difensore della vostra voce. In questa guida amichevole e senza troppi giri di parole, scopriremo chi sono queste figure, cosa fanno di magico sulla vostra voce e come parlarci per ottenere il sound dei vostri sogni. Orecchie tese!

 

1. Chi c'è dietro al mixer? I ruoli nel mondo del suono

Nel linguaggio di tutti i giorni si dice spesso "il fonico", ma in realtà dietro a quel termine ci sono specializzazioni diverse, ognuna con un compito preciso. Ecco una mappa rapida per non fare confusione:

●Fonico di FOH, Front of House / Fonico di Sala: È il re della console posizionata in mezzo al pubblico. Il suo compito è far suonare bene la band per la gente che ha pagato il biglietto. Deve bilanciare i volumi, gli effetti e fare in modo che la voce si senta chiaramente sopra la batteria e le chitarre, anche nell'ultimo anello di un palazzetto.

●Fonico di Palco, Monitor Engineer: Nei grandi concerti lo trovate sul lato del palco. A lui non interessa minimamente cosa sente il pubblico: il suo unico obiettivo è far sentire bene voi nelle spie o negli in-ear monitor. È la persona a cui dovete chiedere "più voce" o "più riverbero" durante il sound check.

●Ingegnere di Studio, Studio Engineer: È il mago che vi accoglie in studio di registrazione. Cura l'acustica, sceglie il microfono perfetto per il vostro timbro e registra le vostre tracce con una precisione chirurgica.

●Fonico di Mix e Mastering, Mixing / Mastering Engineer: Spesso lavora a distanza o a sessioni concluse. Prende tutte le tracce separate registrate in studio e le "incolla" insieme in un mix perfetto, Mixing, per poi dare la lucidatura finale, la potenza e la compatibilità per Spotify e le radio, Mastering.

 

2. Un po' di storia: da "registratori viventi" a produttori di hit

All'inizio della storia della musica registrata, parliamo dei primi del 1900, gli ingegneri del suono erano letteralmente dei tecnici in camice bianco. Il loro lavoro era puramente meccanico: posizionare un microfono davanti all'orchestra e assicurarsi che la puntina incidesse la cera o il vinile senza saltare. Non esistevano i volumi separati, non c'erano gli effetti, non c'era il mix.

La vera rivoluzione artistica del fonico nasce negli anni '60 con personaggi leggendari come George Martin, il leggendario produttore e ingegnere dei Beatles. George Martin ha capito che lo studio di registrazione poteva essere usato come uno strumento musicale a sé stante. Insieme ai Beatles e ai tecnici della EMI, ha iniziato a far girare i nastri al contrario, a creare i primi delay artificiali, a modificare i suoni fino a renderli psichedelici. Da quel momento, l'ingegnere del suono ha smesso di essere un semplice "registratore" ed è diventato un creativo, un artista del suono capace di plasmare l'identità di un genere musicale.

 

3. La cassetta degli attrezzi: cosa fa il fonico alla tua voce?

Quando cantate dentro un microfono, il segnale elettrico viaggia nel cavo XLR ed entra nel mixer del fonico. Qui succede la magia. Per rendere la vostra performance memorabile, il fonico utilizza quattro strumenti principali:

Strumento	Cosa fa in parole povere?	Perché è vitale per il cantante?
Il Gain (Guadagno)	Regola la sensibilità d'ingresso del canale del mixer.	Se è troppo basso, la tua voce scompare. Se è troppo alto, il suono gracchia e distorce ("va in clip"). Trovare il livello giusto è il primo passo del sound check.
L'Equalizzatore (EQ)	Modifica i volumi delle singole frequenze (Bassi, Medi, Alti).	Serve a togliere il "fango" dalle frequenze basse della voce, a smussare i suoni taglienti (le "S" e le "C") e a dare quella brillantezza d'aria che fa fluttuare la voce sopra gli altri strumenti.
Il Compressore	Controlla la dinamica, schiacciando i picchi troppo alti e tirando su le parti troppo deboli.	È lo strumento che rende la tua voce omogenea. Ti permette di sussurrare una strofa e urlare il ritornello senza far fare i salti sulla sedia al pubblico o spaccare l'impianto.
Gli Effetti di Tempo (Riverbero/Delay/Eco)	Simulano lo spazio acustico ed creano echi controllati.	Danno profondità, calore e tridimensionalità. Evitano l'effetto "voce secca da karaoke" e aiutano l'intonazione del cantante donando morbidezza all'ascolto.

 

4. Le preferenze dei fonici: cosa amano e cosa odiano

I fonici professionisti lavorano con le orecchie tutto il giorno e hanno sviluppato una sensibilità pazzesca, ma anche una serie di "allergie" tipiche verso certi comportamenti dei cantanti. Se volete che il fonico vi adori e vi assicuro che volete che vi adori, ecco cosa c'è da sapere:

Cosa AMANO i fonici:

●I cantanti che sanno usare il microfono: Quelli che si avvicinano quando sussurrano e si allontanano di qualche centimetro quando sparano una nota potente. Questo facilita enormemente il lavoro sul compressore.

●La costanza durante il sound check: Cantare con la stessa energia e lo stesso volume che userete durante il live vero e proprio.

●Il linguaggio chiaro ma semplice: Dire "Sento la mia voce troppo cupa/inscatolata, posso avere un po' più di brillantezza?" invece di usare termini inventati o tecnici a caso.

Cosa ODIANO profondamente i fonici:

●Il "Cuppare" il microfono: Coprire la griglia con la mano. Come abbiamo visto nella guida sui microfoni, questo gesto distrugge il pattern polare, trasforma il microfono in un magnete per i fischi (Larsen) e impasta totalmente il suono.

●Puntare il microfono verso le spie o le casse: È il modo più rapido per causare un fischio assordante e far imbestialire chiunque sia in sala.

●Fare finta di niente durante il sound check: Dire che va tutto bene per la fretta di scendere dal palco, per poi lamentarsi a metà concerto che non si sente nulla.

 

5. Il Sound Check Perfetto: il codice di comportamento

Il sound check è un rito sacro e ha le sue regole non scritte. Gestirlo bene dimostra che siete dei professionisti, indipendentemente dalla vostra età o esperienza.

1.     Puntualità assoluta: Il tempo sul palco è calcolato al millimetro. Arrivare in ritardo significa tagliare il tempo a disposizione per i vostri monitor e per i suoni.

2.     Silenzio sul palco: Quando il fonico sta facendo i suoni alla batteria o al basso, il cantante NON deve cantare, fare vocalizzi o parlare al microfono. Ogni strumento si fa uno alla volta. Aspettate il vostro turno.

3.     Canta da vero: Quando tocca a voi, non accennate il brano a mezza voce per timidezza. Cantate al volume reale del concerto. Il fonico deve regolare i livelli di picco: se fate il check a volume basso, quando urlerete nel live manderete tutto in distorsione elettrica.

4.     Fate richieste precise ed educate: Ricordatevi che il fonico di palco è lì per voi. Non abbiate paura di chiedere "Posso avere più chitarra nei miei in-ear?" o "C'è troppo riverbero in spia, puoi abbassarlo?". Chiedete una cosa alla volta con un sorriso. Gentilezza genera un sound pazzesco!

 

6. Gli aneddoti leggendari: quando il fonico cambia la storia

Dietro ai microfoni ci sono spesso storie incredibili in cui l'intuito di un fonico o di un ingegnere del suono ha salvato un album o creato un sound iconico.

●Bruce Swedien e il "Sonic Personality" di Michael Jackson: Bruce Swedien è stato lo storico ingegnere del suono di Michael Jackson. Per l'album Thriller, Bruce inventò una tecnica chiamata "Acusonic Recording Process", che consisteva nel registrare più tracce della stessa voce di Michael spostandolo ogni volta a distanze diverse dal microfono e all'interno della stanza. Questo ha creato quell'effetto vocale enorme, stereofonico e tridimensionale che rende canzoni come Billie Jean uniche ancora oggi.

●L'invenzione del "Gated Reverb", Phil Collins: Negli anni '80, il fonico Hugh Padgham e il produttore Steve Lillywhite stavano registrando la batteria per un brano di Peter Gabriel a cui partecipava Phil Collins. Per errore, lasciarono aperto un microfono da studio super-compresso che serviva solo per parlare tra la regia e la sala, il talkback. Quando Phil Collins tirò un colpo di rullante, il suono rimbalzò nella stanza in modo violentissimo per poi essere tagliato improvvisamente dal circuito del mixer. Quel suono di batteria enorme e "mozzato", il Gated Reverb, divenne il marchio di fabbrica degli anni '80 e della celeberrima hit In the Air Tonight di Phil Collins.

●Abba e l'ossessione per il Mix di Michael B. Tretow: L'ingegnere del suono degli ABBA, Michael Tretow, era un genio delle sovrapposizioni. Per dare alle voci di Agnetha e Anni-Frid quel suono così potente e compatto, registrava le loro voci più e più volte, ma chiedeva loro di cantare leggermente fuori tempo di un millisecondo o modificava impercettibilmente la velocità del registratore a nastro. Questa micro-stonatura controllata creava l'effetto di un coro immenso e scintillante, alla base del successo globale del gruppo.

 

7. Manutenzione del rapporto sul palco: il rispetto reciproco

Chiudiamo con una pillola di psicologia da palcoscenico. Il lavoro del fonico è super stressante: deve gestire chilometri di cavi, tonnellate di attrezzature, problemi elettrici imprevedibili e i nervi tesi degli artisti prima di un live.

Non trattate mai il fonico dall'alto in basso e non dategli la colpa se la vostra performance non sta andando come vorreste. Se sentite un fischio o se la vostra voce scompare, cercate lo sguardo del fonico con calma, fate un piccolo cenno, indicando l'orecchio o il microfono, senza fare scene isteriche sul palco davanti al pubblico. Un artista che mantiene la calma e rispetta il lavoro dei tecnici guadagna istantaneamente il rispetto di tutta la "crew" del service audio.

A fine concerto, quando scendete dal palco sudati e felici, passate dalla regia di sala e da quella di palco a dire un semplice "Grazie per il suono di stasera". Vi assicuro che quel piccolo gesto farà sì che, la prossima volta che suonerete in quel locale o con quel service, il fonico farà i salti mortali per farvi avere il sound più devastante e perfetto della vostra vita.

Buona musica e trattate bene i vostri fonici!